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交响乐入门
入门选曲其实很重要，要是已开始就听什么勃拉姆斯 马勒 布鲁克纳，相信你会疯掉的。 推荐曲目：巴赫 勃兰登堡协奏曲 共六首 维吾尔第 四季小提琴协奏曲 莫扎特 35-41交响曲 3.4.5小提琴协奏曲 21 23 25钢琴协奏曲 歌剧序曲《费加罗的婚礼》《魔笛》《唐璜》等 G大调第十三弦乐小夜曲……莫扎特的大多都很适合新手 海顿 94 100 101 102 103 104交响曲 贝多芬 5 6 8 9交响曲 约翰 施特劳斯的名曲 写给想听古典音乐入门的朋友！作者：快乐果（好友贝多芬） 文章来源：本站原创 点击数：15401 更新时间：4/5/2004 写给想听古典音乐的朋友们！要想进入古典音乐殿堂的朋友你们好，我以过来人的身份为了帮助你们入门，想对你们谈谈感想和提一些建议，使你们能尽快的翱游在古典音乐的殿堂，给你们带来无尽的欢乐。 对于你们而言首先应知道一些西方古典音乐的起源和它门的演变过程，知道一些每个时期的主要音乐家及代表作品和作品的风格。这些也是应该了解的。 要想入古典音乐之门，首先培养听古典音乐的兴趣，只要有了兴趣就像小孩学会了走路剩下的就可以靠自己了！ 下一步谈一谈怎样开始聆听，首先要根据自己的兴趣爱好和对音乐的理解程度及修养，由简到繁，乐队编制由小到大徐徐渐进的原则，先从简洁明快优美动听，比较容易接受的使人感觉非常亲近的音乐风格的曲目来聆听。由于每个人的兴趣爱好和修养不同，对音乐的感悟和接受能力不同，音乐又有各种不同的形式，在听音乐时，应根据自己喜欢的音乐风格应该有个侧重{是喜欢大作品，交响乐或管弦乐，协奏曲，序曲等，还是室内乐，器乐独奏或歌剧等}。在这一点上应该有一个比较清醒的认识，有了这个出发点就比较容易入门了。对于有些文化层次较高又有一定的音乐修养的朋友，可以进度快一些，听的范围可以广一些。 发烧初友最关心的摸过于古典入门的曲目问题，但由于发烧初友的文化层次，生活经历，性格爱好的不同很难有一个统一和正确的答案。这也正是一些资深发烧友和专业人事最感头痛之事。所以只能根据自己的经验，爱好来为初烧友抓方拿药。在不知您的底细的情况下为您盲目的建议不免有些偏颇和不够全面，但在这种情况下也只好这样为之了！直截了当的说听古典音乐我首推施特劳斯家族的音乐，因它被一些音乐爱好者称为是古典音乐中，最通俗，最优美，最平易近人，最能打动人，最好听的古典音乐。他们的音乐题材丰富，手法变换多端演奏基本是大作品形式（序曲，圆舞曲，进行曲，波尔卡等），通俗易懂，旋律优美，高雅华丽，气势磅礴美不胜收。被认为是离古典音乐殿堂最近的门。一首蓝色多恼河使多少人魂迁梦绕，一首拉德斯基进行曲又使多少人荡气回肠。不听施特劳斯家族的音乐不叫古典音乐爱好者。君不见每年一次世界上最有影响的维也纳新年音乐会上演奏的曲目，基本上全是施特劳斯家族的音乐。它让世界上多少音乐爱好者为之倾倒，培养了不知多少的古典音乐爱好者。所以听施族音乐可以迅速提高你对古典音乐的鉴赏水平和能力。可见施族音乐在古典音乐中的地位是无人能憾的。推荐：87年维也纳新年音乐会及历年的新年音乐会专集。另外：TELARC公司出的两盘施族的音乐应该拥有，此碟发烧友必备之物，即可考机又可欣赏一举两得，他的演奏近乎通俗，音响性及好，是通俗音乐乐友转向古典音乐的桥梁。还有施特劳斯家族的音乐在专门的音像店比比皆是，可根据乐队和曲目不难挑选。再说一下其它必听的入门曲目。当首推早期巴洛克时期古典音乐的鼻祖，代表人物巴赫的作品为切入口，{因为巴洛克时期的音乐已经是古典音乐发展得比较成熟的时期，其中曲目繁多，风格多样，美不胜收。他门的音乐古朴典雅，亲切自然，节奏流畅，旋律优美，清澈透明委婉动听的特点，在古典音乐中独树一帜，给后人留下了无尽的财富。此时期的代表人物还有亨德尔，维瓦尔地等}。巴赫的作品如果可能的话各种作品都可以听，如果选精品的话，有：小提琴协奏曲，双小提协奏曲，勃兰登堡协奏曲，赋格的艺术，平均率钢琴，管玄乐组曲等。其中最有名的是渤兰登堡协奏曲，此曲被人类送入太空用做与外星人联系，由此不难看出巴赫的音乐在古典音乐中的地位。亨德尔的水上音乐和烟火音乐，也是可听的华丽的宫廷音乐，非常美。维瓦尔第以协奏曲文明于世，曾写了三百多首协奏曲。总结了前人的经验，总结和创造了协奏曲三个乐章，{快慢快}的作曲的形试，为后人奠定了基础！其代表作“四季”是最侩炙人口的小提琴协奏曲，版本多达一百多种至今百演不衰世人所爱！巴洛克的音乐日久长听真可反朴归真，净化心灵之用。 下面在介绍一下入门的古典乐派，浪漫乐派和民族乐派的作品。{现代乐派暂不考虑}。古典乐派这个时期的音乐家可以说名气最大，代表人物有：海顿（交响乐之父），乐神莫扎特，乐圣贝多芬，巨人勃拉母斯等。这时期的音乐作品最有名气，已达到了古典音乐的颠峰，海顿写了一百零四首交响曲，数量无人能及并规范了交响曲四个乐章的格式。喜欢听交响乐的朋友入门的话，第90—104首为必听曲目，原汁原味的带巴洛克风格的早期古典交响曲。清新自然，节奏明快，富于旋律，听着清爽舒服。另外他的协奏曲写的也不错。莫扎特，贝多芬的作品更不必多说了，都是精品。但作为入门的话可能莫扎特的作品更多一些，尽管我认为贝多芬的作品更具有感染力。莫扎特的作品首先旋律真是太优美了，始终洋溢着一种青春的活力无时无刻不在感染着你，让你忘去痛苦和烦恼，时刻冲刷着你心灵的污垢，他给世人带来得何只是欢乐。难怪莫扎特说，我的音乐不止是让人听着快乐，而应该使人高尚。斗胆推荐：小提琴协奏曲，钢琴协奏曲，交响曲（可从后往前听），旋乐小夜曲，喜游曲，小提奏鸣曲及所有 协奏曲，序曲集，安魂曲等。提起贝多芬，他的作品太好但太凝重，并赋予思想和哲理不太容易接受，一旦产生了共鸣，你会忘掉一切徜徉在他的音乐世界里不能自拔。除了贝多芬还有谁呢？他的入门作品不是很多不敢盲目推荐，但不能不听的作品有，钢琴奏鸣曲，8，14，23。小提奏鸣曲“春天”，“克鲁采“，小提琴协奏曲，第五钢琴协奏曲，第三第五交响曲{世界上最著名的交响曲}，序曲集。还有----慢慢来吧！勃拉母斯是最后一位古典乐派的作曲家，他的作品含蓄内敛，气度非凡我很喜欢他的作品，但入门的曲子不多，他的小提琴协奏曲是世界四大小提琴协奏曲之一，他的交响乐第2第4很好听，他的匈牙利舞曲第五号最好听。浪漫乐派和民族乐派时期的作品，浩如烟海，异彩纷呈，代表人物：瓦格那，李斯特，伯撩兹，舒伯特，舒曼，门德尔松，德沃夏克，比才，柴可夫斯基，肖邦，斯美塔那，布鲁克那等。其代表作：瓦格那的歌剧序曲，李斯特交响诗“前奏曲”，“塔索”，匈牙利狂想曲第2号，伯辽兹幻想交响曲，舒伯特小夜曲，瞬间音乐，第八交响曲。 门德尔松小提琴协奏曲，仲夏夜之梦。德沃夏克第九交响曲“自新世界”是精品非常美易多听。比才的卡们不用说也应该听，这也是常听曲目，BMG的不错。柴可夫斯基在我的心目中就象神圣的乐仙，曲子不但优美而且气度非凡，高贵典雅，他的作品中包含了所有美的因素富裕浪漫，那磨完美，令人魂不收舍，流连往返。在我心中能跟贝多芬相提并论的莫过老柴了。他的作品三首芭蕾舞曲，钢琴曲“四季” {其中六月最迷人}，1812序曲，交响曲4，5，6。钢琴和小提琴协奏曲是再有名不过的了{先收集着以后在听也来得及}。肖邦的夜曲是非常优美的晚上听好似活神仙。斯美塔那的交响诗：“我的祖国”真是太有名了，他的第2 乐章“沃尔塔瓦河”是最出色的。布鲁克那是写交响曲著称，他和贝多芬，勃拉姆斯号称三B,在交响乐坛上非常有影响，第四第八一定要听但到此为止，有人说他把一部交响曲写了九遍（玩笑而已）。如果您已经把以上部分作品反复的听过了，那无疑您已经是入门烧友了！入门的关键是多听自己喜欢的作品和作曲形式.如喜欢听交响乐，管旋乐等大作品的话，应该先听序曲。因交响曲是由序曲演变而来得，它一般一个乐章而且是奏鸣曲式，好似交响乐的第一乐章，有很多的序曲和交响诗都非常的出色，节奏明快，旋律优美，气势非凡多听的话对于您理解和欣赏大作品有很大的帮助！推荐您：贝多芬，莫扎特，罗西尼，苏佩，瓦格那，威尔第，伯了子等的序曲全集都可收藏非常值。说说小品，其不可不听但不能久听，小品是小菜吃的再多也不会饱。日久还会影响吃大餐的时间。喜欢旋乐的朋友可听一些帕格尼尼，萨拉萨地，克来斯乐的小提琴曲集，罗西尼的奏鸣曲，穆特的卡们，都不错。钢琴可欣赏，肖邦的夜曲等作品，贝多芬钢琴奏鸣曲8，14，21。拿索斯的“我的钢琴日记“也不错。 我爱大作品，在我的收藏中百分之九十是大作品，听音时间也是这个比例，我对室内乐不是很喜欢，因此涉猎较少，给您提的建议中，其它类作品提的较少，请您原谅！可能由于是运动员出身，性格比较大气，再有交响曲等大作品中思想性，艺术性和哲理性是非常深刻的，没有一定的理解力是不容易听下去的。听大作品说不容易理解难就难在这上了，这也是我酷爱大作品的原因。所以几乎所有交响乐大师的交响全集基本收齐，有很多全集有数个版本，再有管旋乐，协奏曲，序曲，交响诗，交响组曲也都是如此，已经收齐了不少了，目前的任务是继续收齐，一网打尽不能放过。再提醒各位朋友一句，入门古典音乐别无它路，就是多多聆听，用心去感悟，这是什么也不能代替的！！祝各位烧友在欣赏古典音乐的道路上一帆风顺！！！以上是我一人之见，一点经验，一点遇见，不能称为指导，但愿对初烧友有一点启发和借鉴我心足以！！！ 古典音乐欣赏入门的珍贵资料(1) 2006-9-3 16:12:40 古典音乐欣赏入门的珍贵资料(1)这是一名研究了音乐史大半辈子的音乐教授于退休前留给他学生的礼物。 老教授的心血结晶分十七个部分，从15世纪初的文艺复兴时期一直列到近现代的电子音乐、爵士乐，而此外还有一个独立的部分是澳洲音乐（老教授是澳洲人）。在每个类型里，老教授都列出了4、5位代表人物，3、4个代表作品，并且还提到了每个类型的主要音乐概念和他老人家的一些简短评论。 按从古到今的顺序排列： RENAISSANCE 文艺复兴时期 BAROQUE INSTRUMENTAL 巴洛克器乐流派 BAROQUE VOCAL 巴洛克声乐流派 CLASSICAL INSTRUMENTAL 古典器乐流派 CLASSICAL VOCAL 古典声乐流派 ROMANTIC INSTRUMENTAL 浪漫主义器乐流派 ROMANTIC VOCAL浪漫主义声乐流派 LATE ROMANTICISM 浪漫主义后期 IMPRESSIONISM 印象主义流派 EXPRESSIONISM 表现主义流派 SERIALIAM 序列主义流派 NEO-CLASSICISM 新古典主义流派 NATIONDISM 民族主义流派 ELECTRONIC MUSIC 电子音乐流派 ALEATORIC MUSIC & MINIMALISM 机遇音乐与简约主义音乐流派 JAZZ 爵士乐派 AUSTRALIAN MUSIC EXAMPLES 澳洲音乐成果 AURAL RECOGNITIONG BRIEF OUTLINE （音乐欣赏简要大纲） Key Terms: Historical Knowledge, Analysis, Terminology, Styles, Composers, & Works 第一部分： Renaissance 文艺复兴时期 （介于“中世纪”和“巴洛克”之间，15c初-17c初） Composers ：Gabrieli, Giovanni（加布里埃利.乔瓦尼 意大利作曲家，管风琴家，1554-1612） 作曲家 Palestrina （帕莱斯特里那，意大利作曲家，1525-1594） Monteverdi （蒙特威尔第，意大利作曲家，1567-1643） Gibbons （吉本斯，英国作曲家，管风琴、维吉那琴演奏家，1583-1625） Byrd, William (伯德.威廉，英国作曲家，管风琴家，1543-1623), Weelkes, Thomas (威尔克斯.托马斯，英国作曲家，管风琴家，1576-1623), Wilbye, John (威尔拜伊.约翰, 英国作曲家, 1574-1638) Morley, Thomas (莫利.托马斯，英国作曲家，1557-1602) Suggested Listening Works: Gabrieli--Sonnata Pian e Forte （四度低音弱音强音奏鸣曲） 建议聆听的作品 Palestrina--Missa Papae Marcelli （马尔采鲁斯教皇弥撒弥） Morely—Now is the Month of Maying （正是五朔节的采花时节） Monteverdi – Favola d’Orfeo (英文译名：Orpheus 奥尔菲斯传奇） Orpheus 是音乐史上首次用完整乐队为歌曲伴奏的作品 Listening Aims: Access to Renaissance instruments, fashion & dress, dance steps, art works 聆听目的： 了解文艺复兴时期的乐器，时尚和服饰，舞步，艺术作品 Key concepts: Madrigals, Dances, Renaissance instruments, polyphony, St Marks, Mass,Motet, Chanson, Anthem, unusual instruments, word painting 主要音乐概念：牧歌（意大利的多声部声乐作品，通常无伴奏）、舞蹈、文艺复兴时期乐器、复调音乐、弥撒作品、经文歌（一种无伴奏合唱短曲）、香颂作品（一种在14世纪法国和意大利北部逐渐形成并兴盛至16世纪末的多声或单声，附有伴奏的歌曲）、赞美诗、罕见的乐器以及作品里所用词语的特色。 Comments: Try to get access to renaissance dancing, appropriate videos, and make an effort to set the historical context. 心得评价： 尝试去接触文艺复兴时期的舞蹈，租借一些那时候的录像，努力让自己去营造和感受那种历史氛围和环境。 第二部分： Baroque Instrumental 巴洛克器乐流派 （巴洛克音乐特指1600-1750年和1759年巴赫和亨德尔逝世这一时期的，强调对比和声变得越来越复杂的音乐时期） Composers: Bach, Johann Sebastian(巴赫，约翰.塞巴斯蒂,德国作曲家,管风琴家1685-1750) 代表音乐家： Handel,GeorgeFrideric (亨德尔,乔治.弗里德里克,德国作曲家管风琴家,1685-1759） Corelli，Arcangelo （科雷利，阿尔坎杰洛，意大利小提琴家,作曲家,1653-1713） Suggested Listening Works: Bach-Brandenburg Concerto no 2 （勃兰登堡协奏曲，NO 2） 建议聆听的作品： Handel-Harpsichord Suites （大键琴组曲） Corelli-Trio Sonata op1, no1 in F （三重奏鸣曲，第一首F大调） Key Concepts: New instruments (strings), role of the church, development of V-I cadences, subjective, notation, continuo, fugue,orchestration, Baroque dance suites, Baroque concertos, ornamentation, solo sonata, trio sonata 主要音乐概念：新器乐（弦乐器），教堂在音乐中所担任的角色，传统和声终止式V-I的发展，主观意识，记谱法，通奏低音（羽管键琴或管风琴的演奏者在合奏性的乐曲中按通奏低音演奏，重复其最低的声部），赋格曲（大型复调作品），配器法，巴洛克舞蹈组曲、协奏曲，装饰音，单一器乐奏鸣曲，三重奏鸣曲。 Comments: again, make an effort to contextualise the music. good fun on drawing parallels between Baroque ornamentation and Jazz ornamentation. 心得体会：同样的，需要尝试把音乐放在历史环境中去理解。此外，如果能拿巴洛克式装饰音和爵士乐的装饰音对比一下的话，那将是非常有趣的过程。 第三部分： Baroque Vocal 巴洛克声乐流派 Composers: Bach, Johann Sebastian （巴赫,约翰.塞巴斯蒂,德国作曲家管风琴家,1685-1750） 代表音乐家: Handel,George Frideric (亨德尔,乔治.弗里德里克,德国作曲家管风琴家1685-1759） Purcell, Henry （柏塞尔，亨利，英国作曲家、管风琴家，1659-1695） Suggested Listening Works: Bach-St Natthew Passion （马太受难曲） 建议聆听的作品： Bach Cantata BV 140 ’’Wachet Auf’’ （康塔塔《醒来吧》） Handel-Messiah （弥赛亚） Handel Chandos Anthem no 5 （钱多斯赞美歌 NO 5） Purcell-Dido & Aeneas （狄朵与埃涅阿斯） Key Concepts: Aria, recitative, vocal ranges, da capo, arioso, stile antico, stile moderno, rise of opera, bel canto, oratorio, cantata。 主要音乐概念：咏叹调（指采用A-B-A结构的声乐独唱曲），宣叙调（朗诵式的和说话式的歌唱形式，节奏自由），歌唱音域，返始记号（缩写为D.C.），咏叙调（一种更富旋律性的宣叙调）古风宗教音乐，近世宗教音乐，歌剧的发展，美声唱法，宗教剧，康塔塔（原意为‘歌唱’，根据时代变迁而解释不同，巴洛克时期主要指在教堂内由几人所组成的唱奏形式） Comments: Not always easy to get understand, as the vocal style is quite foreign 心得体会：通常不容易听懂，很多作品采用的都是我们所不熟悉的异域歌唱风格。 第四部分： Classical Instrumental 古典器乐流派 （大约指1750-1830年间创作的音乐，是古典交响曲和协奏曲的发展时期） Composers: Mozart （莫扎特,奥地利作曲家,指挥家.擅长键盘器乐.中小提琴演奏.1756-1791） 代表音乐家： Haydn （海顿，奥地利纯日耳曼血统的作曲家。1732-1809） Beethoven（贝多芬，德国作曲家、钢琴家。1770-1827） Schubert （舒伯特，奥地利作曲家。1797-1828） Suggested Listening Works: Mozart -Symphony 36(Linz)（第36号交响乐，C大调，林茨） 建议聆听的作品： Mozart -Synphony 40 （第40号交响乐，G小调） Haydn-Emperor String Quartet, op76, no3 （帝王四重奏op76, no3） Beethoven-Symphony no 5 （第五交响乐） Beethoven- Pathetique Piano Sonata （钢琴奏鸣曲《悲怆》） Schubert-Trout Quintet （鳟鱼五重奏） 很多音乐爱好者在尝试欣赏古典音乐的时候，往往在最初阶段会觉得无所适从。“我应该先听一些什么样的作品，比较容易理解或者听懂呢？”这个问题是大多数入门者最先遇到的。的确，古典音乐作品浩如烟海，要找到适合自己口味的作品并不容易。当然，所谓“口味”是在欣赏过程中慢慢建立的，也就是说，欣赏古典音乐是一个不断尝试、不断选择的过程，欣赏者在一次次体验的过程中逐渐形成自己的喜好。那么，那些作品适合率先尝试，那些需要慢慢接触呢？下面我分门别类地做一下推介。当然，个人兴趣不同，以下内容以我个人的经验为依据，仅仅作为参考。1、交响作品记住一点：不要先去啃贝多芬的九首交响曲，不论他们对你而言是多么如雷贯耳。刚入门的人如果先去听这些作品，大概只会对古典音乐下一个晦涩的结论。当然，贝交里面有一些乐章非常悦耳，但只是少数。 首先推荐接触的作品如下：. 巴洛克时期： 巴赫：布兰登堡协奏曲、管弦乐组曲。 维瓦尔蒂：四季 亨德尔：水上音乐、皇家焰火音乐 巴洛克时期的音乐，有很强的形式美，强调结构的平衡与和声的和协，大多给人以轻松愉快地感觉。最初的时候不妨当作放松身心的乐曲来听，这里面有一些非常著名的乐段，如《G弦上的咏叹调》等等，都非常悦耳。等你具备一定欣赏水平之后，会对巴洛克音乐有重新的认识，发现它们并非是轻松愉快那么简单，就我个人认为，巴洛克音乐是最具美感、最纯粹的音乐，其中乐曲本身所蕴含的奥妙就足以让人癫狂，当然，这是后话了。 古典时期： 莫扎特：第四十号、四十一号交响曲、各种协奏曲等。 海顿的作品我个人不太接触，但从旋律感上来说稍逊。莫扎特的作品蕴含了许多本能的因素，清新而自然，给人十分愉悦的感受。 浪漫时期：浪漫时期的交响乐，大多枯燥而冗长，对入门者而言不太合适。相比之下，圣桑的一些作品，比如《动物狂欢节》等，比较容易理解，可以考虑。 民族乐派： 柴科夫斯基：各种芭蕾舞的组曲、1812序曲等 李姆斯基-科萨科夫：天方夜谭（又名：舍赫拉查德、一千零一夜）格里格：皮尔-金特组曲斯梅塔纳：交响套曲：我的祖国 民族乐派的作曲家不同于德奥的“正统”，在他们的音乐中有许多特殊的元素，以上的作品以叙事曲为主，旋律明朗、富有个性，是入门者较好的选择 2、独奏或重奏器乐曲、协奏曲钢琴： 钢琴音乐在器乐曲中占很大比例，因为钢琴是一种和声能力很强的乐器，由于其丰富的表现力，拥有大量的独奏曲目。适合入门者欣赏的有： 巴赫：哥德堡变奏、平均律钢琴曲集（部分） 哥德堡变奏充分体现了巴赫对于音乐无与伦比的的驾驭能力，在欣赏这首作品的时候，你会感觉到音乐居然可以有如此丰富的语言。四十八首平均律前奏曲与赋格并非全部适合入门者，但可以让你充分接触复调音乐，对这种奇妙的艺术形式有一定的认识。 莫扎特：钢琴奏鸣曲 莫扎特作有大量的钢琴奏鸣曲，全集一般有5CD。莫扎特的钢琴曲和他的交响乐一样，清新自然，赏心悦目。 贝多芬：钢琴奏鸣曲（极少数） 贝多芬的钢琴奏鸣曲被称为钢琴曲的“新约圣经”（旧约是巴赫的平均律钢琴曲集），但基调大多非常凝重，个人推荐的其实只有一部，第十四号《月光奏鸣曲》，第一乐章的平静和第三乐章的暴风骤雨形成强烈对比，所有人都能感觉到其中所蕴含的美。 肖邦：夜曲、圆舞曲、波兰舞曲、练习曲、两首钢琴协奏曲 .被称为钢琴诗人的肖邦，其作品充溢着富丽堂皇、雍容华贵的气质，即使没有听过一部作品，只要听到一个小节，你就能很容易分辨出来。肖邦赋予钢琴歌唱性，诗一般的旋律令所有人为之倾倒。柴科夫斯基：第一钢琴协奏曲 第一乐章颇有中国现代交响乐的味道（个人意见） 小提琴： 巴赫的六首无伴奏太过高深，并不推荐。事实上巴洛克时期很缺少入门级的小提琴作品。 小提琴作品，首推帕格尼尼，旋律优美，技巧丰富，让人充分领略小提琴的魅力。他的几乎所有作品都值得欣赏，包括二十四首随想曲、三首协奏曲和大量其他作品。 被称为四大小提琴协奏曲：分别是 贝多芬、布拉姆斯、门德尔松、柴科夫斯基所作（这四人都仅创作过一首）。 其中后两首较为通俗，容易为入门者所接受。 圣桑、萨拉萨蒂、肖松等人的一些小品都十分的优美。 著名的有：圣桑的《引子与回旋》、《哈伐奈拉》；萨拉萨蒂：《流浪者之歌》、《卡门幻想曲》、肖松《音诗》。吉他：吉他是一种美妙的乐器，虽然来源于古典音乐范畴，却总是平易近人。许多吉他音乐具有美妙的旋律和丰富的色彩，都是入门者不可多得的教材。阿尔贝尼斯：西班牙组曲、西班牙之歌 格拉纳多斯：西班牙舞曲 法雅：众多改编曲目三位西班牙民族乐派代表人物，作品具有浓烈的西班牙民族气息，原本都是为钢琴谱写的作品，改编到吉他上更具魅力。 巴里奥斯：所有作品 乌拉圭吉他作曲家，演奏家。作品中融入了南美特有的风情，值得一听。 罗德里戈：《阿兰胡埃斯协奏曲》、《为某绅士而作的幻想曲》 这个以后单贴介绍维拉-罗伯斯：巴西组曲等 吉他与人声作品，别具风格。 3、宗教音乐与大型合唱作品 不要觉得宗教音乐一定非常深奥，正相反，宗教音乐，特别是巴罗克时期的宗教音乐都具有很强的形式美感。其恢宏壮丽与神圣气氛极具感染力，宏大的合唱往往给人以强烈的震撼。 巴赫：《b小调弥撒》 巴赫所作四首弥撒曲中最优秀的一首，被称为所有音乐作品中最崇高者。只要一听见最开头Kyrie（主怜悯我们）那一段的第一句合唱，你就会被那高贵庄严的氛围所深深振颤。 巴赫：《康塔塔》 :巴赫作有大量的康塔塔，可以随机选择一些较为著名的来欣赏。 亨德尔：《弥赛亚》 巴洛克时代的另一位巨匠亨德尔的代表作。谱写这部闻名于世的清唱剧，作曲家只用了二十多天。其中著名的《哈利路亚》大合唱，因为1743年在伦敦首演的时候，英王乔治二世听到此处深受触动而起立致敬，以后每逢演奏到这一段，全场观众都有起立的惯例。此外，亨德尔还作有许多其他的清唱剧，这些作品都非常优秀。 海顿：《创世纪》 另一部可与《弥赛亚》媲美的神剧，诉说上帝在七天内创造世界的故事。 莫扎特：《安魂曲》、《C小调大弥撒曲》 《安魂曲》是作曲家最后一部作品，《C小调大弥撒曲》曲则是莫扎特最著名的弥撒曲。 ：http://www.humed.cn/bbs/read.php?tid=16947
关于歌剧的问题
巴洛克时期 西方艺术史上的一个时代，大致为17世纪。其最早的表现，在义大利为16世纪后期，而在某些地区，主要是德国和南美殖民地，则直到18世纪才在某些方面达到极盛。 巴洛克时期的作品在风格上极为复杂，但一般来说，反映了力图寓感情於具有感性吸引力的形式之中的愿望。最常见的特点是气势雄伟，生气勃勃，有动态感，气氛紧张，注重光和光的效果，擅长於表现各种强烈的感情色彩和无穷感，颇有打破各种艺术界限的趋势。巴洛克时期艺术的庄严高贵特点，来自文艺复兴时期所发扬的古典古代艺术精华，同礼教观念的约束作用的结合。 关於baroque一词的起源，公认的看法是源出葡萄牙语barroco(西班牙语barrueco)一词，意为「不合常规」，特指各种外形有瑕疵的珍珠。法语形容词baroque由伊比利亚语派生而成，后从法语原封不动地移入英语。17世纪末叶以前最初用於艺术批评，泛指各种不合常规的，稀奇古怪的，因而也是离经叛道的事物。到18世纪用作贬义，一般是指违反自然规律和古典艺术标准的做法。在19世纪中叶之前，依然用作贬义而非艺术风格名称，直到沃尔夫林(Heinrich Wolfflin)发表《文艺复兴与巴洛克》(Renaissance und Barock, 1888)一书，对巴洛克风格这个问题才作了系统的表述。 巴洛克时期出现的艺术形形色色，所以必须按照这个时代的比较广泛的各种文化倾向去探索它们的统一特性。就对艺术的影响来说，当时有三种文化倾向最为重要。第一种是反宗教改革运动的出现，这股势力不论在地区方面还是思想方面都正日益扩大。巴洛克艺术中的许多不朽之作，特别是义大利绘画和建筑中的许多作品，可能同教会所采取的新的宣传态度直接有关。第二种是君主专制政体的巩固，随之产生强大的中产阶级，对艺术的发展起了促进作用。从法国王朝建造凡尔赛的宫殿和花园以及中产阶级发展绘画市场，可以窥见当时某些政治和社会发展对艺术的影响。第三种是在科学发展和对地球进行探索的影响下，对大自然产生了新的兴趣。这两方面的活动促使人类对自身有了新的看法，一方面觉得自己微不足道(特别是受了哥白尼地球不是宇宙中心这一论点的影响)，另一方面又感到自己神圣伟大，因为在知识方面有了重大突破。总之，这些文化倾向连同它们在艺术中的反映，形成了艺术史家斯特乔(Wolfgang Stechow)所谓的宗教势力和非宗教势力共同保持的一种基本上令人乐观的新的均势。 巴洛克时期风格的产生同反对「国际风格主义」的学院派抽象特点有关。罗马的早期巴洛克画家主要有卡拉齐(Annibale Carracci)和卡拉瓦乔(Caravaggio)。义大利的巴洛克雕塑家和建筑师首推贝尔尼尼(Gian Lorenzo Bernini)。 路易十四世风格，即「王室官方风格」，可以说是义大利巴洛克的一种古典化翻版，普桑(Nicolas Poussin)是法国17世纪最伟大的画家，作品高雅、严肃、合乎逻辑、有条不紊，因而忠实体现了古代艺术风格，形成法国巴洛克的特点。研究法兰德斯的巴洛克风格，最好从鲁本斯(Peter Paul Rubens)的绘画著手，他创作了大型的祭坛画和神话作品，并且设计了一系列构思周密的宫廷画和寓言画组画。 在荷兰，类似鲁本斯这样的一批早期大师曾在义大利学习，亲身了解了义大利巴洛克。此外还有一批现实主义的风景画家、静物画家、海景画家、肖像画家、家庭内景画家和教堂内景画家，以及如弗美尔(Vermeer)和林布兰特(Rembrandt)这样出类拔萃的大师。在西班牙出现了像委拉斯开兹(Velazquez, 1599�6�51660)这样杰出的大师。 英国的巴洛克风格最明显地反映在范戴克(Anthony Van Dyck)爵士为查理一世及其王室成员所画的肖像画以及列恩爵士(Sir Christopher Wren, 1632�6�51723)和凡布鲁(John Vanbrugh, 1664�6�51726)的建筑艺术上。同英国的建筑艺术一样，德国的巴洛克视觉艺术全盛时期直到18世纪才出现，即在阿萨姆(Asam)兄弟、诺伊曼(Balthasar Neumann, 1687�6�51753)和齐默尔曼(Dominikus Zimmerman, 1685�6�51766)设计的一些装饰华丽的大宫殿和教堂建成之后才出现。 在音乐方面，艺术史上最显著的一个转折点发生於17世纪初的义大利。古代风格虽然继续风行，但后来仅用於圣乐，而现代风格则逐渐用於非宗教音乐。由於音乐语汇的扩大、圣乐与非宗教音乐之间、声乐风格与器乐风格之间以及民族之间的差异日益明显。因此，音乐领域中的巴洛克时期，如同其他艺术领域一样，也体现了各种不同的风格。歌剧、清唱剧和大合唱是声乐方面最重要的一些新形式，而奏鸣曲、协奏曲和前奏曲则是为器乐而创作的。 蒙特威尔地(Claudio Monteverdi, 1567�6�51643)是「新音乐」的第一个伟大作曲家。在义大利师承他的是史卡拉第(Alessandro Scarlatti, 1660�6�51725)和佩戈莱西(Giovanni Pergolesi, 1710�6�51736)，都是义大利巴洛克歌剧大师。义大利器乐传统体现在该国伟大的巴洛克作曲家科莱利(Arcangelo Corelli, 1653�6�51713)、韦瓦第(Antonio Vivaldi, 1678�6�51741)以及塔替尼(Giuseppe Tartini, 1692�6�51770)身上。吕里(Jean-Baptiste Lully, 1632�6�51687)和拉莫(Jean Philippe Rameau, 1683�6�51764)是法国巴洛克音乐的两位大师。 在英国，继斯图亚特王朝时期的假面剧盛行之后，有韩德尔(1685�6�51759)在声乐方面所取得的成就。韩德尔生於德国，在义大利受过音乐训练。而与他的同代人巴哈(1685�6�51750)随后在德国把巴洛克圣乐推向了高潮。德国其他的著名巴洛克作曲家有许茨(Heinrich Schutz, 1585�6�51672)、柏格兹特胡德(Dietrich Buxtehude, 1673�6�51707)和泰勒曼(Georg Philipp Telemann, 1681�6�51767)。 文学方面可以称为具有巴洛克特点的代表作是义大利马里诺(Giambattista Marino)、西班牙贡戈拉(Luis de Gongora)和德国奥皮茨(Martin Opitz)三人的著作。英国的形而上学诗歌，主要是但恩(John Donne)的许多诗歌同巴洛克文学有密切的联系。巴洛克时期在18世纪随著它的独特风格转变为洛可可(Rococo)式风格而告结束。
蒙特威尔第的人物生平
蒙特威尔第1567年5月15日出生于意大利克雷莫纳。自小蒙特威尔第只要心所向往，必定能将之谱成乐曲，而且成绩不恶。不过世俗音乐却较之宗教音乐更能撩起他的兴趣，此一倾向终其一生未尝稍改。早在1584年，他就以短歌小调打破了旧传统的藩篱。当时意大利许多流行形式——诸如假面舞乐、芭蕾舞曲、田园牧歌、佛罗托拉歌曲，以及其他歌曲与舞曲形式——都能深深吸引着蒙特威尔第。牧歌尤其叫他废寝忘食。蒙特威尔第的牧歌情意盎然，技巧纷陈，自成一完美的音乐世界。他眼界开阔、历练丰富以后，开始改造作曲规则，以求适才适性，悠游于这些小品形式中而享有更大自由。其音乐中某些效果突出的和声，足以令任何时代的爱乐者惊讶不已，因此许多人以“具有表达力的不和谐音”相称。歌剧占去蒙特威尔第绝大部分时间。他的搭档是裘里欧·史卓希。这两人都对剧本和情节表现抱持坚定的理想。两人对文绉绉、典雅脱俗的语言同表鄙夷，只对角色的合理发展感兴趣。他们共同寻求音乐的真理，认为角色的本质要比一些不相干的音乐更具重要性。最重要的作品当属《奥非欧》。其中揉合了牧歌的要素，以及佛罗伦萨小厅集团的主音音乐观念。1637年之后，蒙特威尔第又创作了两部歌剧《尤里西斯返乡记》及《波佩阿的加冕》。后者超越了三世纪的时空，正中二十世纪理论家的下怀。因为他要求的，正是剧中无论大小细节都必须服膺于简明的音乐性戏剧底下——把音乐与戏剧等量齐观的态势终于形成了。蒙特威尔第并不把歌剧看作为求表现歌手巧啭的歌喉、或者试验作曲家创制优美旋律的的能力，而随意将不相干的小品拼凑起来的大拼盘。蒙特威尔第的歌剧及莎士比亚的戏剧，同是十七世纪前半叶的瑰宝，也同样是问题丛生。包括问题、他的真正意图、管弦乐团的理想状况、实际的表演情景、歌手们的表现等等。蒙特威尔第跨坐在文艺复兴与巴洛克时代交替的门槛上，然而“巴洛克盛期”乍到，又冲毁了这位伟大威尼斯作曲家所代表的乐派。我们必须记得，在蒙特威尔第的时代，有幸付梓的歌剧寥若晨星（因造价太过昂贵），况且用以传播思想的机械构造不多，而对历史地位的看重，亦是后来才有的观念。遭人遗忘的苦果并非由蒙特威尔第一人独尝，因为在他那个时代，根本没人会以乐名而常驻人间。幸而今天鲜少有人会否认蒙泰韦尔迪是第一位能以其音乐力量打动现代听众的作曲高手。1643年11月29日逝世于威尼斯。
论述意大利歌剧发展的历史
歌剧的兴起，首先在意大利。 17世纪意大利在政治上无为、商业上低迷的状态，并没有湮灭它的艺术热情和创作活力，也没能削弱其保持己久的“音乐大国”的地位。这主要有几个原因：第一，意大利一直是盛产旋律的国度；第二，意大利是欧洲新颖的和多样化音乐品种的实验园；第三，意大利始终保持了一批以培育音乐新品种为天职的才华横溢的作曲家与歌唱家；最后也是比较特别的原因是，还有一批出于各种理由但客观上为音乐事业提供了支持的贵族庇护者与投资者。因此，与欧洲其他国家相比，意大利有条件甚至有责任把歌剧作为世纪礼品，奉献给整个欧洲，并使之为此激动不已。 意大利的歌剧，可以分为佛罗伦萨歌剧、罗马歌剧、威尼斯歌剧和那不勒斯歌剧。这些不同区域、不同时期、不同风格的歌剧，所产生的影响也各不相同。 一、佛罗伦萨歌剧 16 世纪下半叶，在佛罗伦萨出现了一个称之为“佛罗伦萨卡梅拉塔（即沙龙）会社”（也称佛罗伦萨艺术集团）的非官方的音乐研究团体，其成员以贵族身份的青年诗人和作曲家为主。是他们第一次敲开了歌剧的大门。这个艺术集团由巴迪伯爵主持，研讨的中心内容是，如何把音乐与戏剧更好地融合起来，以产生更大的艺术感染力。他们在认真研究了希腊音乐后，得出了这样的结论：希腊音乐之所以能产生极大的感染力和强烈的演出效果，是因为希腊音乐是单声部的旋律，这种旋律开发了嗓音的音区、音高起伏、节奏变化等自然表现力，这就能决定性地影响与支配听众的感情。相反，以往那种用不同声部演唱不同旋律和歌词的方式，听众无论如何是难以听清歌词从而理解人物的，这种音乐充其量只能是器乐合奏。因此，他们选择了为歌词谱曲的正确方法：一种用音乐在“讲话”的歌唱方式，即用独唱旋律来强化和表现演员语言的抑扬顿挫。 佛罗伦萨艺术集团里对歌剧做出较大贡献的有尤利奥· 卡奇尼（Caccini Giulio1551 一1618 年）、贾科波· 佩里（Peri Ja copo1561 一1633 年）、埃米利奥· 德· 卡瓦利埃利（Cavalieri Emilio De155O 一1602 年）等，他们是歌剧这块处女地的拓荒者。 卡奇尼是职业歌唱家兼作曲家，甚至还是演奏家，这种多重身份对他从事歌剧事业起到了特殊而有利的作用。卡奇尼开创了一种新的依据歌词音节的歌唱性风格，力求吐字清晰灵活，并用数字低音加以伴奏，从而成为宣叙调（朗诵调）的创始人之一。他还在旋律线的适当地方加上装饰音，形成了16 世纪歌唱时的炫技方法。卡奇尼在（新音乐）这本歌集中，辑录了大量有新风格、用数字低音伴奏的单声部歌曲。对此，他阐述说：“为了更好地创作和演唱歌剧，最重要的在于懂得理念、语言，带着情趣和感情去领悟它所表达的思想主题，还须了解复调音乐使用的对位法”。这些歌曲和作者的新理念，为歌剧的形成展示了一种可以效法的模式，激发了后来者的创作活力与灵感。卡奇尼对声乐有着很高的造诣，他还是美声唱法时期第一代有影响的声乐教育家。关于他在声乐教育方面的成就，我们在下面还将专门介绍。 佩里同卡奇尼一样，也是歌唱家兼作曲家，他曾在一部幕间剧中成功地扮演了传奇性的歌手阿里昂。不过，他在歌剧创作上的成绩要更大些。佩里以在歌剧创作的实践中确定了宣叙调的风格而闻名。他很成功地创造了一种介乎于一般的歌唱与说话之间的宣叙调，人声在协和音程和不协和音程进行中，数字低音保持稳定不变，用以模仿说话的连续进行。这种宣叙调听上去象音高不停变化中的自由朗诵。不论是宣叙调、咏叹调，还是其他单声部的独唱歌曲，佩里都根据歌剧的需要，创造了具有戏剧性的乐汇。 佛罗伦萨艺术集团的研究成果，不只是小范围内的沙龙式的坐而论道，而且确实付诸了实践。在一定意义上说，在他们的客厅里，诞生了意大利歌剧。佛罗伦萨艺术集团的初衷是恢复希腊音乐，但实际上他们却创造了一种既符合自己的理想与追求，又具有时代特征的崭新的艺术体裁。这种伟大的贡献，也许是他们始料未及的。 1597 年，在佛罗伦萨上演的《达芙内》，被认为是意大利也是欧洲的第一部歌剧。这是由同是佛罗伦萨艺术集团成员的奥塔维奥· 里努奇尼（作词）和佩里（谱曲）联袂创作的。《达芙内》取材于古希腊的爱情故事，内容中闪烁着人文主义的火花，剧中的歌曲都是单声部的声乐曲，多为节奏自由舒缓的宣叙调，也有歌唱性较强的歌曲，音乐风格新颖，很好地表现了歌词的思想。 1600 年，他们又继续合作，在佛罗伦萨上演了为王室婚礼创作的《尤丽狄茜》 。这是一部家喻户晓的歌颂奥菲欧和尤丽狄茜爱情的神话故事，为了喜庆场合的需要，结尾改成了大团圆。佩里在《尤丽狄茜的音乐》一书中，解释了该剧多种风格的单声部歌曲，如达芙内的一首典型的新宣叙调，开始感情平稳，旋律舒缓协调，当唱到尤丽狄茜被蛇咬时，旋律变得激动，不协和音程增多，和声也有了突然的变化；咏叹调《蒂尔西之歌》安排在一首交响性的音乐之中，节奏鲜明，旋律优美，终止式的和声性较强。卡奇尼也为《尤丽狄茜》写过部分音乐，与佩里的戏剧性音乐相比，卡奇尼的《尤》 剧音乐更富于旋律性和抒情性。佛罗伦萨的歌剧，具有了意大利最初歌剧的一般特征，并形成了有佛罗伦萨特色的田园式的优美清雅的艺术风格。在《达》剧和《尤》剧之后的近30 年内，佛罗伦萨只上演了为数不多的几部歌剧。歌剧的中心开始向罗马转移。 二、罗马歌剧 罗马歌剧的题材偏重于神话寓言故事，具有较浓厚的宗教色彩，舞台美术追求奢华富丽的效果。 前期罗马歌剧的主要作者是佛罗伦萨艺术集团的卡瓦利埃利。他是佛罗伦萨的贵族，在公爵宫廷负责艺术事务，他既是文化官员，也通晓业务。他作为佛罗伦萨艺术集团的成员，曾在佛罗伦萨上演过几部篇幅短小的歌剧。早在1600 年，他就创作了（灵魂与肉体的表现）一剧，并在罗马上演。这是一部道德剧，以寓言故事的手法，宣扬了宗教的理念。在卡瓦利埃利的作品中，可以看出作曲家由于自己的官方身份，而有意识地去表达与迎合统治者的思想，但（灵）剧的音乐创作仍体现了卡瓦利埃利在佛罗伦萨艺术集团中的追求。 1623 年，喜爱和提倡歌剧艺术的教皇乌尔班八世在罗马即位，他的上台对奠定罗马歌剧在意大利的领袖地位具有很大的影响。乌尔班家族在支持歌剧发展上，确实做了不少实事，包括主持修建了能容纳3000 名观众的歌剧院，研制了供歌剧舞台使用的机关布景等。由于罗马是教廷和王室的所在地，因此罗马歌剧崇尚奢侈浮华的场面，更能迎合贵族的情趣，满足他们的虚荣心，这与佛罗伦萨歌剧的风格大相径庭。 这一时期的歌剧大多是根据史诗创作的神话剧和圣人剧。1634 年，由后来成为教皇克雷芒九世的尤里奥· 罗斯皮里奥西创作台本，斯特凡诺· 兰迪谱曲的《圣阿莱西奥》 ，在新落成的罗马歌剧院开幕典礼上演出。剧中描写了中世纪一位罗马“圣人”的故事，其主题仍是宗教道德的说教。1662 年，由多梅尼科· 马佐基创作的《 阿多内的锁链》 在罗马上演，这是一部被普遍认为是典型的“罗马式”风格的歌剧，它既逢迎了教会，又取悦了贵族，舞台效果十分豪华富丽。晚期罗马歌剧的主要作曲家是路易吉· 罗西，他在1647 年创作了在当时被广泛用作歌剧题材的《奥菲欧》 。在《奥》 剧中，古老的题材只不过是一个空筐，里面装的却是时髦、怪诞等期望引起轰动效应的流行素材。 罗马歌剧在音乐创作上，还有些值得称道的优点。如宣叙调和咏叹调的区别更为明显，宣叙调更加语言化，而咏叹调则旋律性更强；《阿多内的锁链》不仅弃了宣叙调中过于枯燥乏味的成分，而且它的歌剧前奏曲成为后来普遍采用的歌剧序曲的早期形式。但是，由于罗马歌剧思想主题上的局限性和贵族化倾向，使它逐渐切断了与广大市民的联系，在竭尽奢华中榨尽了自身的活力，终于慢慢淡出歌剧舞台，并没有进一步地发展。而罗马歌剧衰败的直接原因是1644 年乌尔班八世的去世，他的政敌把乌尔班家族连同歌剧一起驱逐出罗马。 三、蒙泰威尔第 此时的意大利，出现了一位对推动歌剧事业起到举足轻重作用的伟大作曲家，这就是在牧歌创作中已闻名遐迩的蒙泰威尔第。蒙泰威尔第早期主要从事牧歌创作，并由此享有很高的声誉。巧90 年至1612 年，出任曼图亚公爵的乐师、乐长，此间，创作并上演了歌剧《奥菲欧》（1607 年）和《阿丽安娜》( 1608 年）。1612 年到威尼斯，翌年任圣马可大教堂乐长。在威尼斯他生活了30 年，直至以76 岁高龄去世。在此期间，他为教堂和歌剧院创作了约10 部歌剧，其中包括《唐克雷蒂与克罗琳达之战》 ( 1624 年）、《尤利西斯回乡记》( 1641 年），他于75 岁高龄时创作的《波佩娅封后记》 堪称经典之作，在人物性格的刻划与音乐形象的塑造上，胜过他以前的任何作品，并成为17 世纪的歌剧杰作。 与这一时期意大利其他歌剧作曲家相比，蒙泰威尔第有两大特点： 其一，蒙泰威尔第是一位感情丰富并把自己的感情投人到歌剧创作中去的激情型作曲家。蒙泰威尔第认为，音乐不是一种技巧性结构的艺术，它给人的不应只是感官上的愉悦，而更应该全面表现人的心灵和情感。以前的音乐只满足于表达人的忧郁、悲伤、希望、宁静等情绪是远远不够的。音乐特别是歌剧音乐，还应该表达人的愤怒、恐惧、失望、仇恨等激烈复杂的内心世界，形成“兴奋激动”的歌剧音乐。据此，蒙泰威尔第认为：“音乐不仅仅是用来指出歌词原意的，它还应该表现得更深刻”。这种“深刻”体现在对人物活动变化的思想感情的细致刻画上，体现在人物过去、现在与将来的思想感情的有机联系上。在歌剧创作的实践中，蒙泰威尔第把这些原则诉诸于各种艺术形象，使这些形象富于色彩，动人心魄。特别是在他妻子病重和去世前后，他把自己亲身体验过的悲痛欲绝、令人心碎的感情，淋漓尽致地融入作品中，而这种生离死别的心境与剧中的情节和人物正相吻合。当他的《奥菲欧》 和《 阿丽安娜》 。相继问世后，那些活生生的、感人至深的艺术形象，使几千名观众为之悲哀哭泣。蒙泰威尔第的这一艺术特性在《 奥菲欧＞的宣叙调（你与世长辞＞中，得到了充分的体现。奥菲欧是古代的诗人歌手，他的音乐使岩石、树木与猛兽都为之感动。当他得知妻子尤丽狄茜的死讯后，决定随她同去： 你与世长辞，我的爱妻，我尚留在人间，你却离我而去，永远离我而去。你决不会再回来，而我一息尚存。不，不，假如诗句能动人心拄，我将大胆地走进最深的地狱，使冥王回心转意，我将带你重见天日。要是残酷的命运拒绝了我，我将和你一起留在阴间！ 在这首宣叙调中，蒙泰威尔第把歌词谱成了极为悲伤的吟诵，调动许多音乐创作手法，表现情感的力量，发挥人声的特长，使歌曲充满了强烈的感情和凝重的悲剧气氛，成为典型的“蒙泰威尔第式感情”的歌剧音乐。 其二，蒙泰威尔第的杰出贡献还在于，他是第一个把戏剧性的歌剧音乐定型化的作曲家。在蒙泰威尔第的歌剧音乐中，所有的表现手法都是为戏剧服务、取决于戏剧需要的。这些戏剧性的表现手法包括：第一次在歌剧音乐中引人了类似“主导动机”的手法（如《奥菲欧》）；采用戏剧性的歌词，并坚持通过音乐形象透析人物的心灵，反映人物的个性特征；突出高音声部，扩大和丰富独唱声部；强调宣叙调的表情性等。特别需要提到的是，蒙泰威尔第在他的歌剧中首次使用了由约40 件乐器组成的管弦乐队，乐队的编制也根据了剧情和角色的需要。而在此之前像佩里等人的歌剧，只用了琉特琴、羽管键琴等几件乐器。蒙泰威尔第歌剧音乐的这些创作特色，成为在相当长的一个时期内被后人效法的原则，并使他不仅成为意大利歌剧的杰出作曲家，也是17 世纪整个欧洲的伟大作曲家。 四、威尼斯歌剧 威尼斯作为欧洲歌剧活动中心的地位，大约是在17 世纪三、四十年代形成的。威尼斯歌剧与罗马歌剧有着十分明显的区别，甚至与佛罗伦萨歌剧也在很大程度上不尽相同。这些区别首先与威尼斯传统的商业气息相关。 尽管威尼斯的商业活动在17 世纪已经萎缩，但是城市的商业意识并没有因此而消亡。这种传统的商业氛围在这个城市的歌剧活动中发挥了至关重要的影响。在意大利的其他城市，歌剧的演出场所一般设在宫廷或贵族府邸的小剧场，观看歌剧演出一直是社会上层人士的专利。而在威尼斯，采取了更为民主的形式，歌剧院向公众开放。歌剧院在一般情况下，不再接受贵族赞助，而采取自负盈亏的经营方式。在1637 年，威尼斯建成第一个名为“圣卡西亚诺”的歌剧院，在以后的3 年时间里共兴建了三个大型的公共剧场，最多时这个只有14 万人口的城市，竟然拥有8 家剧院。歌剧院是所有爱好者的“共同体”：贵族占据包厢，中产阶级购票人场，人场券为4 里拉，雅座加付2 里拉，一般市民则可免票人场，不过大多数是“站票”。威尼斯的歌剧院从兴建起，就带有与这个商业化的城市相匹配的经济性质。这就决定了威尼斯歌剧必须向广大市民开放，它的内容与形式必须与市民阶层的审美情趣相适应，否则就无法生存。 从商业的角度看，歌剧院在较短时间里的接连兴建，是因为有着大量的市场需求和良好的市场前景。事实也正是如此。17 世纪中叶威尼斯的歌剧演出，简直到了万人空巷、盛况空前的地步：包厢里是雍容华贵、附庸风雅的贵族与他们浓妆艳抹、花枝招展的妻女，池座里挤满了船夫、小商贩，不同身份的观众共居一堂；嘈杂的说笑声、热烈的鼓掌声、放荡的口哨声、啧啧的飞吻声此起彼伏；包括神甫、贵族在内的狂热的歌剧迷，时而呼喊着所崇拜的歌手的名字，时而跳上舞台扮演起剧中的角色。从积极的意义上说，威尼斯的歌剧，确实成了广大市民的精神食粮。 由于歌剧院越来越多，也越来越大，这就大大刺激了歌剧事业的发展。歌剧作曲家、歌唱家和乐队身价信增，歌剧作品大量产生，从17 世纪30 年代的世纪末的70 多年里，竟上演了350 多个剧目。作为这一现象的副产品，接连不断的演出造成了演员与乐队的向外分流，剧中的人物被迫减少。出于经济利益的考虑，一般的剧院已雇不起较大型的乐队。 这一切都形成了威尼斯歌剧的自身特色：民主化、市民化、商业化和娱乐性。从威尼斯歌剧的艺术风格来看，它具有这样一些特征：历史题材的剧目成为最成功的歌剧；抒情咏叹调得到长足的发展；美声唱法在歌唱中被普遍采用；剧情的发展趋向复杂；剧本的结构逐步严谨，一般为3 幕，每幕又分若干场。特别值得一提的是，舞台的布景装置基本实现了机械化，可以模拟海战、暴风雨、诸神、行进中的大象狮子，还可升降活动。威尼斯舞台美术的一些优秀成果，一直到19 世纪仍被沿用。 1637 年，由费拉里和马内利创作的歌剧《安德罗梅达》 在新落成的圣卡西亚诺歌剧院公演，标志着威尼斯歌剧的开端。这部歌剧成本不高，费拉里兼演奏乐器，乐队只有12 人；演员共6 名，其中包括马内利和3 名阉人歌手。（安）剧和以后许多威尼斯歌剧（包括蒙泰威尔第的歌剧）一样，演员和乐队人数较少，部分原因与歌剧院考虑其经济效益有关。 威尼斯歌剧的主要作曲家是两位蒙泰威尔第的学生，比尔· 弗朗切斯科· 卡瓦利（Cavalli Pietro Francesco1602－1676 年）和安东尼奥，切斯蒂（Cesti Antonio1623－1669 年）。 卡瓦利共创作了42 部歌剧，这也从一个侧面反映了威尼斯对歌剧作品的需求。卡瓦利的代表作品有《泰蒂和佩雷奥的婚姻）( 1639 年）、（迪多女皇）( 1641 年）、（埃吉斯托）( 1643 年）、（情人埃尔科蒂）( 1662 年）等。1649 年，他创作了最著名的一部歌剧《 伊阿宋》 ，其中的咏叹调和宣叙调开始形成明显不同的两种风格。卡瓦利的歌剧音乐注重戏剧性，擅长心理描绘，特别是咏叹调富于旋律性、歌唱性，十分精彩，宣叙调虽缺乏蒙泰威尔第的变化与细致，但仍自然流畅。 与卡瓦利的风格不同，切斯蒂的歌剧更着意追求抒情性、装饰性。他试图恢复和发展意大利固有的纯音乐因素，讲究旋律的优美流畅，对作品精雕细刻。因此，歌剧中的咏叹调得以发展，而戏剧性稍有减弱，作品缺乏气势和力度。切斯蒂的主要作品（奥隆泰阿》（1649 年），曾在威尼斯、罗马、佛罗伦萨、米兰、那不勒斯等地长期公演，是17 世纪演出场次最多的歌剧之一。1667 年创作的具有典型巴洛克风格的宫廷歌剧《 金苹果》 ，是切斯蒂的代表性杰作。这部为王室婚礼专门创作的歌剧在上演时，甚至特地为此修建了一座能容纳5000 名观众的大剧院。全剧共5 幕，有多达25 段的咏叹调，充分发挥了歌唱家的技巧。演出阵容庞大，舞台布景与装置十分豪华。 威尼斯歌剧后期的主要作曲家是彼得罗· 西莫内· 阿戈斯蒂尼（约1635－1680 年）和安东尼奥· 萨尔托里奥（1630 - 1680 年）。他们力图创立一种通俗风格的新咏叹调，并采用了具有表情功能的花腔段落。前者的代表作是（塞宾族妇女受辱记），后者则有《阿代拉伊德》。 至17 世纪中叶，意大利歌剧在威尼斯基本上定了型，在以后的约200 年中，歌剧的形式没有发生根本性的变化。这些体裁上的最主要的特点有：独唱成为歌剧的主要歌唱形式；咏叹调与宣叙调实现了分离，而咏叹调日益受到作者的重视及观众的欢迎；新的美声唱法在歌剧演唱中占据了绝对主导地位；音乐与歌词的关系，由最初佛罗伦萨艺术集团坚持的音乐从属于歌词，逐渐发生了变化，开始出现音乐凌驾于歌词之上的倾向。 五、那不勒斯歌剧 17 世纪约80 年代，意大利的歌剧中心移向那不勒斯。那不勒斯歌剧最初受到威尼斯歌剧的影响，卡瓦利、切斯蒂等人的作品曾在那不勒斯受到欢迎并引起轰动。以后，那不勒斯歌剧得到长足发展，逐步取代威尼斯成为意大利新的歌剧活动中心。那不勒斯歌剧直至18 世纪中后期，仍保持着旺盛的活力，一批批成果卓著的那不勒斯作曲家的足迹，遍布欧洲各地，对歌剧在全欧的推广与普及起到了积极的推动作用。 那不勒斯歌剧的总体风格是：具有幽默、明快和富于活力的喜歌剧特色；注重优美典雅的外在形式，戏剧性的力度相对减弱，但优美的音乐又足以补偿一切的不足。 那不勒斯歌剧的创始人和最主要的代表作曲家是亚力山德罗· 斯卡拉蒂（Scarlati Alessandro1660－1725 年）。他出身音乐世家，1679 年在罗马上演了第一部歌剧《无知的过错》，并获得成功。他由此担任了正住在罗马的瑞典女皇克里斯蒂娜私人剧院的指挥，在此期间创作了《真诚的爱情》 （1680 年）、《庞贝大将》（1683 年）。1684 年抵达那不勒斯，任总督宫廷的乐长，创作了《皮罗和黛梅特寥》( 1694 年）、《十人团的垮台》( 1697 年）等40 多部歌剧。1702 年起任罗马圣玛利亚大教堂乐长。1709 年返回那不勒斯任原职，并兼任一所贫民音乐学院的院长直至去世，此间，他创作的重要作品有《蒂格拉内》( 1715 年）、《光荣的胜利》( 1718 年）等。 斯卡拉蒂是一位高产作曲家，共创作了115 部歌剧，列当时的歌剧作曲家之首，题材大多取自生活喜剧或历史传说。另外，还写有700 余首康塔塔、清唱剧、弥撒曲等。斯卡拉蒂对歌剧的贡献，一是强调歌剧是用音乐表现的戏剧，必须突出音乐在歌剧中的核心地位，人物的感情发展完全可以用音乐加以反映和概括，形成典型的音乐形象。与音乐相比，歌词只是一种提示，并不起关键的作用。因此，声乐在他的歌剧中占绝对优势；二是创造了“清宣叙调”（也叫“白话宣叙调”）的歌唱形式，主要用于大段的独白和对话，只用一两件乐器作伴奏，使其起到剧情展开过程中的媒介作用；三是采用了A 一B 一A 式的返始咏叹调，用以表现人物的矛盾心情，形成了一种确定的对称程式；四是发展和固定了歌剧的序曲形式，他的歌剧序曲由快速、歌唱性的徐缓和舞蹈性的快节奏三部分组成，成为以后歌剧序曲的一种定式；五是建立了管弦乐完备、各有四个声部的乐队，并根据每件乐器的特色演奏不同情绪的音乐，这一乐队编制及配器方法，在相当长的时期内被应用。 斯卡拉蒂是一位勤奋严谨且有才智的作曲家，表现出对严肃戏剧理想的执着追求，因此被称为“严肃的斯卡拉蒂”。曾有一段时间，他的作品并不受公众欢迎，但他在圈内却备受推崇，并对包括亨德尔在内的一批作曲家产生过重要影响。虽然斯卡拉蒂和后期的那不勒斯歌剧作曲家所创作的歌剧中，有的成为“集锦歌剧”，在某种程度上属于音乐会的性质，歌剧的戏剧性因素已逐渐淡化，但这并不妨碍斯卡拉蒂在意大利歌剧发展中的历史地位和传承作用。18 世纪上半叶，那不勒斯歌剧和意大利其他地方的歌剧一样，发展了歌剧音乐抒情的一方面，并更多地依靠歌唱家的独唱技巧和豪华的舞台装饰。歌剧逐渐背离了佛罗伦萨艺术家刻画心理、表现性格的初衷，滑向了愉悦感官的质量低谷。 歌剧继17 世纪中后期在体裁形式上大致定型后，那不勒斯时期又对宣叙调和咏叹调做了进一步分化。宣叙调分为：一、清宣叙调，即“白话宣叙调”，演唱时接近于说话，只用简单的和弦式伴奏；二是有助奏的宣叙调，也称“有伴奏的宣叙调”、“乐器宣叙调”，多用于紧张的戏剧性场面，独白或对白时的感情变化，由乐队奏出。咏叹调的分类较为繁杂，从伴奏形式上分，有无伴奏咏叹调和有伴奏咏叹调；从感情色彩上分，有激情咏叹调、哀怨咏叹调、诙谐咏叹调等；从音乐风格上分，有田园舞曲咏叹调、朗诵口语咏叹调等。另外，在斯卡拉蒂的作品中，还出现了一种介于宣叙调和咏叹调之间的“咏叙调”，意思是像咏叹调那样的宣叙调。这一形式到瓦格纳时，发展为自由咏叹调。至18 世纪中叶，这些大体上定型了的形式，成为以后歌剧创作的基本要素。具有以上特征，并以神话和英雄传奇故事为题材的17 世纪、18 世纪意大利歌剧，在音乐史上称之为“正歌剧”。希望以上信息可以帮到您，欢迎您登陆我们的网站，查询全国各大城市最新、热门演出信息具体请点击：http://www.chinaticket.com ^_^
