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以奥斯卡获奖电影《芝加哥》为例，探讨如何成功使音乐剧电影化
好莱坞歌舞片与百老汇音乐剧一直有着紧密联系，自20世纪20年代以来，两者相互借鉴、互相映衬，共同发展。高质量的音乐剧改编为歌舞片搬上大荧幕，是业内常有发生的事情。可以说，美国百老汇音乐剧为好莱坞歌舞片提供了源源不断的新鲜血液和创作来源。
其中，《芝加哥》作为极具讽刺意味的百老汇经典音乐剧，多年来长盛不衰，更是在2002年被改编为电影，让更多的人得以领略其韵味和魅力。2003年，电影版《芝加哥》一举斩获包括最佳影片在内的奥斯卡六项大奖，并打破了35年来歌舞片无缘奥斯卡最佳影片的局面，成为一部在商业上和口碑上都取得巨大成功的歌舞电影。
影片讲述的故事情节很简单，主要讲述了两名女子杀人以后，不仅没有得到当地法律的制裁，反而经过律师比利炒作后声名大噪的故事，讽刺了芝加哥二十世纪二十年代娱乐至死的黑暗荒诞世态。
音乐剧和歌舞片是两种不同意识形态的艺术作品，两者相映成辉、各有千秋。在如今市场上越来越多音乐剧改编歌舞剧的情况下，这部18年前的老作品，在豆瓣上依然保持8.8的高分，被认为好于96%的歌舞片。
《芝加哥》凭什么脱颖而出，成为音乐剧影视化的经典之作？
在我看来，仅从电影的故事情节探讨，无法深入回答这个问题。今天本文就以《芝加哥》为案例，从电影叙事手法、镜头话叙事语言、声音艺术创作三个方面，探讨这部歌舞电影如何对音乐剧进行影视改编，从而与观众情绪产生联结，带给观众强烈的视听感染力。
01、在保留音乐剧的基础上融合电影叙事手法，最大限度地使用蒙太奇手法，交错融合现实系统和舞台系统
在《芝加哥》以前，传统歌舞片的歌舞对电影情节叙事并无太大作用，更多的是起到衬托氛围和渲染情绪的功能。《芝加哥》却另辟蹊径，将音乐剧完美融合电影语言，加强歌舞叙事功能，使现实情节和舞台效果融会贯通，成就一场经典好戏。
第一，最大程度保留音乐剧精髓，并加强歌舞的叙事功能。
舞台表演是音乐剧的重中之重，可以将灯光、音乐、舞蹈和色彩等一系列视听元素结合呈现。受限于电影时长，导演没有盲目砍掉音乐剧歌舞表演，反而是加强音乐的叙事功能，利用剪辑手法巧妙将现实和舞台穿插，为观众呈现一场视觉盛宴。
影片合计保留音乐剧12场舞台歌舞表演，完美再现舞台场景。影片伊始以一首魅惑慵懒的歌曲《All That Jazz》开场，维尔玛在舞台上化着烟熏妆，跳着妖娆的爵士舞曲，既交代了故事背景，又展现了时代特征，将芝加哥纸醉金迷的浮华社会表现得淋漓尽致。
如果说这里的歌舞尚且只起到烘托气氛的作用，那么下一首《Funny Honey》的表演则是导演展示歌舞叙事功能魅力的开始，将歌舞与叙事完美融合。洛克茜误杀情夫后，当丈夫替她冒名顶罪时，她深情地唱着对丈夫的欣赏和爱意。透过洛克茜演唱的歌词，我们得以了解，其丈夫愚蠢胆小懦弱，但却深爱着她，愿意为她付出一切。
一首性感迷人的《Funny Honey》舞台演唱和丈夫接受警察审判的现实通过剪辑手法同台呈现，不仅可以给观众强烈的新鲜感和冲击感，更重要的是为下文埋下伏笔和铺垫。
正因为丈夫愚蠢，才会暴露洛克茜杀人真相而导致入狱，也正是因为丈夫深爱着她，所以一贫如洗的她才能利用丈夫血汗钱聘请昂贵的律师比利，才有了后面一系列故事的发生和开展。
在我看来，这种同时担任叙事功能和视觉效果的舞台表演，在影片中比比皆是。正是有了这些精彩夺目却又不可或缺的歌舞表演效果，才让影片《芝加哥》在影坛多年保持长久不衰的魅力。
第二，巧妙融合电影语言，利用蒙太奇手法交错融合现实系统和舞台系统。
导演充分利用了电影交叉、平行、类比等众多叙事蒙太奇手法，通过交叉剪接将舞台表演和电影语言完美融合，完成现实空间和虚幻舞台两个迥然不同的叙事空间的自然转换，将两者自然融合为一体。
在一场经典的牢狱探戈之中，讲述了监狱六位杀人犯女囚的故事。在洛克茜的视觉中，她看见了监狱中六名女子穿着舞衣通过歌舞《Cell Block Tango》慷慨激昂讲述自己的杀人故事，情绪激动地表达自己的不满。
在这段歌舞表演片段之中，穿插着这几位女子穿着囚服在现实生活中日常交谈的场景，在观众的视觉中，观众看到的是几名深陷牢狱之灾的女子在监狱中倾述自己被捕入狱的经历。
在我看来，导演通过电影剪辑手法，将兼具表现效果和叙事功能的舞台表演和观众熟知的现实片段完美穿插，加强叙事节奏和情感张力。影片利用蒙太奇手法，将现实系统和舞台系统完美融合，让观众在了解剧情发展动态的同时享受一场视听盛宴。
02、利用镜头诠释故事，完美呈现舞台效果，冷暖色调强烈碰撞的灯光设计，给观众带来强烈的视觉冲击
镜头语言是电影展现影像的重要元素，影片《芝加哥》通过镜头交替解构呈现画面，搭配大胆别致的灯光设计，使歌舞片打破舞台剧单一距离的视觉局限，让观众参与度更加强烈，呈现更加完美的视觉效果。
①操控运动镜头，呈现多维动态的舞蹈影像。
音乐剧的表演受限于体裁，被局限在有限的舞台空间之内，而观众与音乐剧的互动空间也只有狭窄的观众席。尽管舞台表演是多元化的，但每位观众看待舞台的视觉都被固定在一定的范围和空间内，只能看到单一的效果，但是电影体裁却可以轻松解决这一问题。
电影《芝加哥》通过运动镜头的把控，可以打破舞台剧的空间限制。导演通过善用不同角度和长短镜头的切换，利用舞蹈与镜头的复合运动，捕捉最佳欣赏视角，让荧幕前的每一位观众都能尽情欣赏舞蹈的重点和关键。
比如经典的木偶戏里，电影通过镜头的灵活运用，将蜂拥而至的记者、被操纵的洛克茜以及老奸巨猾的律师比尔统统呈现在荧幕前，舞蹈影像呈多维运动性。
通过特写镜头、远景镜头的配合，将不同角度、不同方位、不同距离的舞蹈利用剪辑切换流畅，让观众无死角欣赏舞蹈的魅力，加强影片的视觉冲击力。
②通过冷暖色调的强烈撞击，使影片产生醒目的舞台效果。
灯光设计是影片表现主题的重要辅助工具。电影《芝加哥》大胆采用冷暖不同的色调强调现实和舞台的区分，强烈的灯光碰撞反衬情绪走向，使影片完美融合现实和舞台两大元素，给观众留下深刻印象。
电影中，当洛克茜杀人后接受警察审问时，丈夫替她顶罪，暗蓝色灯光打在丈夫脸上，整个氛围显得诡异清冷。洛克茜在一旁的舞台中演唱表达爱意的歌舞则是采用温情的桃粉色灯光，衬托出洛克茜小女人的虚荣作态。可是当丈夫发现洛克茜奸情以后，一粉一蓝的色调来回切换，冷暖色调的强烈撞击，表现出横亘在两人之间的冲突和斗争。
对灯光的熟练运用在电影其他场景随处可见，冷色调和暖色调的碰撞在影片中运用得非常精彩，包括经典的牢狱探戈之中，采用蓝红光对比，鲜红灯光彰显血腥场景，深蓝灯光则营造出恐怖萎靡的气氛。
电影《芝加哥》摒弃绚丽纷繁的灯光，采用极简模式，大量采用冷暖色调对比，反而能将极具戏剧效果的冲突斗争完美呈现在观众眼前。冷暖色调的强烈撞击，不仅对表现角色的情感和处境起到非常重要的作用，更使电影冲突极具情感张力，为影片增加了强大的吸引力。
03、充满挑战和创意的“复调式”声音，现实声音和歌舞声音独立且交织，丰富的声音元素使电影连贯且协调
歌舞片的一大亮点是载歌载舞，其中音乐作为歌舞片的灵魂，起到不可小觑的作用。影片《芝加哥》对声音的创作也是吸引观众的重要亮点，因导演加强歌舞的叙事功能，影片声音的处理也因此开拓出更加广阔以及更具挑战的创作空间。
①利用声音的置换完成现实和舞台的转换，使转换自然流畅。
影片多次通过剪辑手法将舞台和现实场景统一，完成歌舞的叙事功能和承接作用，其中声音的作用举足轻重。导演利用声音的相似性完成舞台和现实两个不同的场景转换，使两者剪切自然流畅，让观众在欣赏过程中毫无违和感。
在经典的牢狱探戈舞曲之中，导演利用安静环境下的水滴声和相同节奏的脚步声完成场景的转换，洛克茜在水滴声的引导中逐步进入舞蹈场景之中，六名女子通过舞蹈讲述自己的故事。一曲舞毕，舞台上的脚步声又逐步转变为水滴声，回归现实状态。
在电影中，热情奔放的歌舞场景和灰暗阴沉的现实世界形成鲜明反差，两者自然切换需要声音的配合。通过具有相似性的声音完成场景的转换，可以让现实世界和舞台表演完美无缝连接。给观众带来极强的听觉感染力。
②歌舞和现实交替剪辑，“复调式”声音既保持幻想与现实的连贯性，又维持两个系统的明显界限。
影片除了利用声音完成现实和舞台场景的转换之外，还采用”复调式”声音处理让现实与舞台在保持明显界限的同时完美融合。“复调式”声音是音乐术语，在声音剪辑中，它是指具有两条或两条以上同时或交错并存的主导声音。
在经典的木偶戏中，现实场景是记者采访律师比利和被告人洛克茜，而舞台场景则是律师比利通过工具操控着记者媒体和被告人洛克茜，意欲反讽当地媒体舆论导向并不追求正义反而受制于人。
导演在处理这一场戏时，充分利用“复调式”声音来连接两个不同的系统。当现实世界的记者提问时，木偶戏歌舞的音乐持续运转；当木偶戏的画面未完全切换，现实世界记者提问的声音已经逐渐进入。两个系统的声音都采用相同的语速节奏，并且音色、音调接近，从而保证整体的协调性和顺畅度。
影片的每个情节段落都会出这种声音的处理效果，通过叠合连贯却又有区分的声音衔接，利用对位与错位的共生让观众产生联想和思考。这种声音的处理效果不仅可以让观众更能理解故事情节表达的内容和思想，还可以唤起观众对影片内涵的深层次挖掘。
写在最后：
电影《芝加哥》作为一部成功的歌舞片，无论是商业价值还是影片口碑都取得巨大的成功。影片凭借美妙迷人的歌舞场景、入木三分的人性刻画以及现实深刻的主题内涵，成就其歌舞片史诗级地位，并成为无数人心中的经典之作。
因此，今天这篇文章详细分析了电影《芝加哥》故事情节之外的魅力和精彩之处。
在我看来，影片通过对电影语言的熟练运用，成功将舞台作为主导的音乐剧改编为更具大众文化的影视作品，将局限于舞台的小众文化传播给更加广阔的受众，这正是影片《芝加哥》长久不衰的魅力和独到之处。
电影芝加哥的观后感
导语：《芝加哥》是改编自同名百老汇剧的音乐歌舞片，由罗伯·马歇尔执导，蕾妮·齐薇格、凯瑟琳·泽塔-琼斯、理查·基尔、约翰·C·赖利等主演，影片于2002年12月10日在美国上映。影片讲述的是两起发生在芝加哥的案件，经过律师比利炒作后声名大噪的故事，将二十世纪二十年代的芝加哥不择手段求出名的世态演绎的淋漓尽致。 《芝加哥》不乏浓墨重彩,歌舞升腾。但是在一组组幽默的、搞笑的镜头后,依然发射出冷峻、犀利的锋芒。 影片中的情节设置和人物设置都赋予幽默和搞笑,以诙谐、游戏的态度反衬严肃的主题,以喜剧的形式表现悲剧的内容,让观众在轻松的剧情里思考着不轻松的主题。 首先,片中的剧情始终围绕着律师比利如何想方设法帮助罗克茜成为舞台上的明星。舞台是一个表演的空间,不同于真实的世界。舞台上表演的成功离不开台下的精心策划、反复演练。这就使得剧本中包装明星的一切造假活动得以顺理成章地展开。比利为了让罗克茜成为明星,首先是对罗克茜的身世、经历、作案动机重新编造,对她进行形象包装,然后他们不分昼夜地进行演练,直到罗克茜能把编造的台词背得滚瓜烂熟,脱口而出。接着,比利进行了精心的策划:一是罗克茜答记者问那场戏,借助新闻效应,罗克茜一夜成名,由一个杀人凶手摇身一变,成为一个受人同情的无辜的弱者;一是法庭上比利为罗克茜辩护的那场戏,罗克茜无罪释放。同样是借助新闻效应,罗克茜与凯莉成为舞台巨星,她们那精彩的双人舞赢得了观众雷鸣般的`掌声。但给观众印象最深的却是台下比利那灿烂的微笑`````` 舞台后的暗箱操作与舞台上的完美演出、罗克茜的谎话连篇与老百姓的信以为真、比利的惟利是图与法庭上的道貌岸然都构成了一组组强烈的对比,具有很强的讽刺性。其次,影片中的人物都表现出扭曲变形。人丧失了智性情感,不再高雅伟岸,温柔美丽,而变得猥琐渺小,滑稽可笑。从律师到“无辜的受害者”,从新闻记者到法庭审判官,从明星到追星族都成了揶揄调笑的对象。即使是忠厚善良的老实人汤马斯———罗克茜的丈夫也不例外。忠实的汤马斯,为了不让妻子入狱,强忍戴绿帽的耻辱,主动承认自己是杀人犯;为了给比利付5000 元律师费,汤马斯东拼西凑,倾家荡产也在所不惜。当听到妻子编造的怀孕日期时,老实人终于爆发出对妻子不忠的愤怒,但他并没有放弃对妻子的救赎。法庭上,众记者烟消云散后,只有他在那儿耐心地等待着妻子的归来。这反而让罗克茜觉得奇怪:“你要干什么?”“我想带你回家———你想要的,还有孩子。”“这不可能!”罗克茜尖叫起来“, 天啊! 你真的相信? 我没有孩子。”说完,罗克茜再也不关心丈夫的存在,只顾看着窗外,为自己不再受关注而百思不得其解。“没有?”可怜的汤马斯好象掉进了一团雾水里,独自一人悻悻地转身而去。 在影片中,诚实善良反而变得可笑,痛苦和不幸成了开玩笑的对象,人类的处境变得冷酷而荒谬。人们不再天真,不再有理想,不再有崇高感和悲剧感。面对自身这一现实处境,人们甚至没有愤怒,只有麻木,就象汤马斯一样。正如哈桑在《后现代转折》中所说:“后现代不再狂躁,他在冷漠的世界中,展示了后现代艺术家眼中那恐怖和卑琐的世界。”但在这种表面平静中,却蕴藏着内里的冷嘲、戏谑与解构。 “戏笑释一切”、“一切皆戏笑”是该片的特点,也是后现代电影共同的基调。但该片在镜头语言的使用上,有时过于强调后现代电影的拼贴意识———对故事的叙述采用无序的拼贴、画面与画面之间使用大量的跳接,这样有时会给观众带来视觉接受上的断裂,造成观众审美接受上的间断性、跳跃性。 尽管这样《, 芝加哥》依然是一部上乘之作,它的成功给我们带来很多的启示。首先,该片包含了成功的商业片所具备的多种元素。如该片具有很强的视觉冲击力,片中大量的歌舞表演都具有很强的时代性、观赏性。在那充满着动感诱惑与活力四射的歌舞表演中洋溢者浓浓的异域激情和个性张力。该片的好莱坞色彩也十分浓厚,造型、剪辑、声音的优质要求使得这部作品是一部符合好的工业标准的作品。此外,该片情节曲折,凶手与美女、嫉妒与阴谋的情节设置使得片中剧情环环相扣、层层深入。其次,该片还具有很强的现实批判性、艺术性。因为一部影片仅仅具有商业性还是不够的,有艺术性的电影才会有长久的生命力。《芝加哥》结构紧凑,人物个性鲜明,让观众在色香味俱佳的视觉拼盘中感悟那深层的社会内涵和强烈的批判意识。马赛尔·马尔丹曾说过:电影是一种企业,也是一门艺术;是一种语言,也是一种存在。影片的商业性和艺术性并不矛盾。《芝加哥》就在电影的商业性与艺术性之间找到了一个很好的平衡点。
